Donnerstag, Juni 23, 2022
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Baz Luhrmanns verschwitzter, verführerischer Elvis macht den King wieder cool

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R: Baz Luhrmann. Darsteller: Austin Butler, Tom Hanks, Helen Thomson, Richard Roxburgh, Olivia DeJonge, Kelvin Harrison Jr, Shonka Dukureh. 12A, 160 Minuten.

Wenn wir den Vorhang vor Elvis Presley zurückziehen würden, was würden wir überhaupt sehen wollen? Eine Seele, die ihrer Leistung beraubt ist? Etwas Kaltes und Echtes hinter dem Kitsch? Ich bin nicht überzeugt. Amerikas Pop-Ikonen sind nicht nur glänzende Ablenkungen. Sie sind eine Kultur, die mit sich selbst spricht und ständig ihre eigenen Ideale und Wünsche hinterfragt. Ich glaube nicht, dass es notwendigerweise wichtiger ist, wer Elvis war, als das, was Elvis repräsentiert. Und obwohl Sie in Baz Luhrmanns Dramatisierung seines Lebens von der Wiege bis zur Bahre nicht allzu viel Wahrheit finden werden, hat der australische Filmemacher etwas viel Überzeugenderes geliefert: ein amerikanisches Märchen.

„Ich bin der Mann, der der Welt Elvis Presley geschenkt hat“, sagt Colonel Tom Parker von Tom Hanks, sein Manager, als sich (buchstäblich) der Vorhang zu Luhrmanns weitläufigem, strassbesetztem Epos hebt. „Und doch gibt es einige, die mich zum Bösewicht dieser Geschichte machen würden“, fügt er hinzu.

Parker, der in Elvis‘ politisch radikaler Mischung aus Country und R’n’B schon früh vielversprechend sah, positionierte sich schlau als alleiniger Aufseher des kreativen Unternehmens des Stars – der Mann, der ihm einen Plattenvertrag bei RCA Records verschaffte, der seine Merchandising-Deals sicherte und TV-Auftritte, und die ihn durch eine ziemlich kurze, aber reichhaltige Schauspielkarriere navigierten. Aber Parker nahm weit mehr als Gegenleistung. 1980 entschied ein Richter, dass er den Presley-Nachlass um Millionen betrogen hatte. Einige beschuldigen ihn sogar, einen überarbeiteten Elvis an den Rand gedrängt und letztendlich zu seinem Tod beigetragen zu haben.

Für Luhrmann könnten die märchenhaften Parallelen nicht offensichtlicher sein. Parker ist die böse Stiefmutter, Elvis (hier gespielt vom ehemaligen Kinderstar Austin Butler) ist die Prinzessin, die in ihrem Turm eingesperrt ist – falls dieser Turm tatsächlich die riesige und vergoldete Bühne seiner Residenz in Las Vegas ist. Als Parker, ein ehemaliger Karnevalist, Elvis zum ersten Mal dazu verführt, sein Klient zu werden, geschieht das buchstäblich in einem Spiegelkabinett. Das mag ein wenig absurd klingen, aber Luhrmanns Wurzeln in der australischen Opernszene haben ihm die gewinnende (wenn auch für einige spaltende) Fähigkeit verliehen, barocke Stile mit einer aufrichtigen, romantischen Sensibilität zu liefern.

Ich habe immer fest an den Zweck und die Notwendigkeit von Luhrmanns ausgefallenen Visionen geglaubt – dass es nicht ausreicht, einfach den grotesken Konsum einzufangen Der große Gatsby’s Jazz Age, sondern um zu beweisen, dass wir, das Publikum, seinen Reizen gegenüber genauso schwach sein würden wie Fitzgeralds Protagonist Nick Carraway. Dasselbe gilt hier für die Art und Weise, wie sein Thema von seinem eigenen Ruhm sowohl verführt als auch verraten wird. Und überhaupt hat Luhrmann seine Filme immer ein bisschen so gedreht wie Elvis – verschwitzt und kinetisch, wenn die Kamera mit der Wut von tausend Karate-Kicks durch die Gänge von Graceland und durch Jahrzehnte seines Lebens schwenkt.

Elvis wird und sollte ernsthafte Diskussionen über das herausragende Vermächtnis des Musikers einladen, und die schwächsten Punkte des Films sprechen hauptsächlich dafür, wie ungeklärt die Debatte um ihn immer noch ist. Es gibt sicherlich viel zu sagen, wie nervös der Film um seine Beziehung zu Priscilla (Olivia DeJonge) herumschwirrt, die 14 Jahre alt war, als sie sich zum ersten Mal trafen. Kann ein Film für eine Frau sprechen, die noch am Leben ist und ihre eigene Geschichte erzählen kann? Und wie kommen wir zu der großen Debatte über Elvis‘ umfassendere Rolle in der Musikgeschichte? War sein Erfolg wirklich ein weiteres Kapitel in der langen Geschichte der kulturellen Aneignung des weißen Amerikas, oder erwies sich dieser frühe, rebellische Appell tatsächlich als ein überraschend mächtiges Instrument im Kampf gegen Segregation?

Luhrmanns Film bietet wohl das plausibelste, romantischste Elvis-Ideal, auch wenn es ihn in eine Art Naiven verwandelt, der in Parkers Bann gefangen ist. Er wird in Parkers Erzählung immer als „der Junge“ und nie als „der Mann“ bezeichnet. Er ist der gutmütige, blauäugige Muttersöhnchen, der seiner Familie nur einen Cadillac kaufen und die Musik seiner Kindheit spielen möchte, die er in den mehrheitlich schwarzen Gemeinden von Mississippi verbracht hat. Selbst auf dem Höhepunkt von Elvis‘ Ruhm bringt der Film uns immer wieder zu den schwarzen Künstlern zurück, die ihn inspiriert haben, entweder durch die eigenen Worte des Musikers (und er war bis zum Schluss immer ehrerbietig gegenüber seiner Herkunft) oder durch Matt Villa und Jonathan Redmonds hektische Schnittarbeit. Wenn die Singer-Songwriterin Big Mama Thornton (Shonka Dukureh) mit ihrer Interpretation von „Hound Dog“ beginnt, befiehlt uns eine Stimme im Radio, zuzuhören – dies ist die Stimme von Black America, die spricht.

Indem er die Geschichte von Elvis durch die von Parker rahmt, ist Luhrmanns Film geschickt in der Lage, einen Schritt zurück von den intimen Details des Musikerlebens zu machen. Stattdessen sieht es ihn als einen Atomsprengkopf der Sinnlichkeit und Coolness, jemand, der am Scheideweg eines erbitterten Kulturkampfes stand. Parker glaubt, dass er ihn in einen sauberen, durch und durch amerikanischen Jungen für die weiße Mittelschicht verwandeln kann, indem er ihn dazu zwingt, die Einberufung anzunehmen, sich die Haare abzuschneiden und in den Krieg zu ziehen. Elvis widersetzt sich, und sein kreisendes Becken (eingefangen in vielen herrlichen Zooms bis zum Schritt) trägt dazu bei, die aufkeimende sexuelle Unabhängigkeit junger Frauen im ganzen Land zu fördern. „Sie hat Gefühle, von denen sie sich nicht sicher war, ob sie sie genießen sollte“, bemerkt Parker, während die Kamera einen Fan mit weit aufgerissenen Augen betrachtet. Kostümdesignerin Catherine Martin – Luhrmanns Ehefrau, die auch als Co-Produktionsdesignerin und Produzentin bekannt ist – kleidet Elvis in eine Reihe sanfter, verträumter Rosatöne, um einen erhabenen Effekt zu erzielen.

Um das zu sagen Elvis nicht so sehr um den echten Elvis geht, könnte so klingen, als würde es den Druck von Butlers Auftritt nehmen. Aber das wäre eine völlig unfaire Beurteilung dessen, was hier erreicht wird – eine Verkörperung eines der am häufigsten verkörperten Menschen auf dem Planeten, die manchmal unheimlich ist, ohne jemals als Parodie zu wirken. Sicher, Butler hat das Aussehen, die Stimme, die Haltung und das Wackeln auf den Punkt gebracht, aber was wirklich beeindruckend ist, ist diese unbeschreibliche, nicht destillierbare Essenz von Elvis – magnetisch und sanft und wild, alles gleichzeitig.

Es ist fast schon seltsam, eine Aufführung zu sehen, die so alles verzehrt, dass Hanks – das Tom Hanks – fühlt sich an wie ein Accessoire. Er ist so gut wie unter Schichten von Prothesen und einem pantomimischen niederländischen Akzent begraben, der scheinbar nur gegossen wird, damit das warme Grinsen von Amerikas Vater ein paar Leute dazu bringen kann, sich zu fragen, ob er wirklich der Bösewicht von all dem ist. Butler liefert ein überzeugendes Argument für die Macht von Elvis, zu einer Zeit, als der Musiker wohl ein wenig von seinem kulturellen Prestige verloren hat. So auch Luhrmann. So auch der Soundtrack, der vollgepackt ist mit zeitgenössischen Künstlern (Doja Cats „Vegas“ hat überall den Sound des Sommers geschrieben). Und obwohl nicht alle von ihren Bemühungen überzeugt sein werden, weiß ich, dass ich bereit dafür bin, dass Elvis wieder cool wird.

„Elvis“ kommt am 24. Juni in die Kinos

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